Mom Who Reads Paintings: Into the World of Monumental Art: A Space of Thought in Harmony with Nature
Written By Younsun Park
Edited By Sooa Lim
One winter day that felt like spring was just around the corner, I visited Dia Beacon with my child. The museum, which has recently gained more attention due to RM of BTS’s visit, houses far more expansive works than expected from its exterior. Already regarded as a work of art in itself, the building contains vast, immersive pieces that overwhelm the senses from the moment you step inside. What’s especially striking is how each work is given ample space—creating an atmosphere rarely found in other museums. Rather than being scaled-down versions, the artworks are displayed in their full grandeur, allowing the vision of each artist to be experienced as intended. The exhibition spaces are designed to protect the works while never interfering with the viewer’s engagement—that’s the authentic charm of Dia Beacon.
“Mom, there’s a giant chocolate cake!” my child exclaimed. I turned my head to see Mound by Meg Webster. Like an upside-down brown rice bowl, its form resembled a chocolate cake. Next to it stood another cone-shaped work, looking like a snow-covered hill, placed with some distance in between.
“Mom, if I made this cone brown and filled it with chocolate ice cream, it would taste amazing!” my child said excitedly with a smile. Though Meg Webster’s works are made of natural materials, their shapes feel artificial and distinct. Her sculptural forms, using elements from nature, seem to blur the line between the organic and the constructed.
We moved on to another work. Standing in front of a sculpture made of beeswax, I explained, “This piece is made from beeswax—a special material bees use to build their homes and store honey.”
My child’s eyes sparkled. “Then… can things like branches, rocks, and soil from the forest also become art?” “That’s right. Artists can use materials from nature, but the forms they create can feel very different from what we usually see in the wild. If a work is made like this, even though it’s not a painting or a sculpture in the usual sense, could it still be called art?”
My child answered simply, “Of course! No matter where it’s made—in a forest or outside—it can still be art. There are lots of sculptures displayed outdoors too!” “Then what do you think happens when it rains or the wind blows on those outdoor artworks?” I asked. “It’d be sad if the wind ruined them,” they said, “but maybe that’s part of the artwork too. It keeps changing over time, right? As it changes, it becomes something new.”
I was once again amazed by my child’s response.
“So what’s the difference between the materials this artist uses and those we use when we draw?” “Well, we use much paper, meaning we must use many trees. That’s why the forests keep getting smaller. We have to be careful not to waste. But this artist uses natural materials, so maybe it helps protect the forests and keeps the Earth from getting hurt, right?”
Seeing how naturally my child absorbed the message of environmental preservation in the artist’s work, I was reminded once again of the power of art as an educational tool. I had assumed that the concept of land art might be a bit complex for a child, but their imagination was more expansive than I thought—open and without bias.
Beside us was a giant nest-like structure. Looking at it with curious eyes, my child said, “They really made this with branches! I want to become a bird and go inside.” “But why do you think the artist made a nest inside a museum?” I asked. “If nests disappear, birds lose their homes. I think the artist wanted to protect the birds’ homes.”
Senga Nengudi’s work continued the theme of monumentality. “Mom, look at this! It’s a giant popsicle!” my child shouted with excitement. Pointing at a piece lying on the floor, it really did resemble a frozen treat. This time, we talked about the fluidity of the artwork. “Since it’s lying down, the liquid seems evenly spread. What do you think would happen if we stood it upright?” My child tilted their head in thought. “Hmm… If there’s something like liquid inside, it would all shift to one side, right? The shape would change. But if you lay it back down, it goes back to the way it was. So it’s still the same artwork.” “Then why do you think the artist made it so the shape changes depending on how it’s positioned?” “Because it’s interesting and fun! People would see it and want to show it to others.” “What kind of fun material would you like to use to make your own artwork?” I asked. “I’d make a giant sculpture out of squishy slime! People would want to touch it. And I’d also use things that don’t mix, like water and oil, to make something that looks like a real river. I’d plant trees and place stones too!”
Senga Nengudi, who began her work in the 1970s, is an artist who crosses multiple disciplines, including drawing, photography, sculpture, ceramics, and performance. She used different pseudonyms depending on the type of work she was doing, establishing clear identities for each genre. Her best-known works use stretchable materials like pantyhose, creating pieces that interact with the human body and respond to movement.
“This artist didn’t just display her sculptures statically. She worked with dancers who moved with the pieces—interacting with them. That’s why they seem almost alive.” “Do artworks always have to stay still? Or can they move too?”“They can move! People move and grow, right? Art can too!”
Through Nengudi’s work, we found space to reflect on themes like the body, change, and interaction. Her art explores the links between the body, emotion, and creativity—and through this experience, my child was able to build their own interpretations and expand their way of seeing the world through art.
엄마가 읽어주는 그림 이야기: 거대한 예술 속으로, 자연과 어우러진 생각의 공간
곧 봄이 올 것 같던 겨울의 어느 날, 아이들과 함께 Dia Beacon으로 향했다.
최근 RM의 방문으로 더욱 유명해진 이 미술관은 밖에서 보면 그 크기를 상상하기 어려울 정도로 방대한 작품들이 설치되어 있었다. 건물 자체가 이미 미술품 1호로 지정된 이곳은, 전시실에 들어서자마자 눈 앞에 펼쳐지는 압도적인 규모의 작품들로 가득했다. 특히, 이곳은 작품마다 충분한 공간을 할애하여 전시되어 있어, 그 어떤 미술관에서도 보기 힘든 독특한 분위기를 자아낸다. 거대한 작품들이 단지 축소된 형태가 아닌, 영감을 온전히 전달할 수 있도록 각기 다른 작가들의 작품이 그 자체로 완벽하게 전시되어 있는 공간. 전시물이 손상되지 않으면서도 감상에 방해가 되지 않도록 설계된 전시공간이 바로 Dia Beacon의 매력이다.
“엄마, 거대한 초코케이크가 있어요!” 아이의 말에 고개를 돌려 바라본 곳에는 Meg Webster의 Mound 작품이 있었다. 갈색 밥그릇을 거꾸로 엎어놓은 듯한 형태가 정말 초코케이크처럼 보였다. 그 옆에는 새하얀 눈 덮인 언덕 같은 cone 모양의 작품이 간격을 두고 놓여 있었다.
“엄마, 내가 이 cone을 브라운 색으로 바꾸고, 안에 초코 아이스크림을 넣어서 먹으면 너무 맛있을 것 같아요!” 아이는 신이 나서 웃으며 말했다. 자연의 재료를 사용해 풍부한 형태의 조각품을 만든 Meg Webster의 작품은 자연의 물질을 사용했지만, 그 형태는 인공적이고 독특한 느낌을 주었다.
우리는 또 다른 작품으로 향했다. 밀랍으로 만든 작품 앞에 서자, 나는 아이에게 설명했다. “이 작품은 밀랍이라는 특별한 재료로 만들어졌어. 밀랍은 꿀벌이 꿀을 모으고 집을 지을때 사용하는 재료거든.” 아이의 눈빛이 반짝이며 물었다. “그럼 숲에서 볼 수 있는 나뭇가지나 돌, 흙 같은 것도 작품이 될 수 있어요?”
“맞아, 작품은 자연에서 가져온 재료들로 만들지만, 그 형태는 자연적인 것과는 또 다른 느낌이야. 이렇게 작품을 만든다면, 그림이나 조각이 아닌 자연 속에서 만들어진 작품도 미술일까?” 아이의 대답은 간단했다. “그럼요! 어디에서 만들었든, 다 예술이에요. 숲에서 만들어도, 바깥에서 만들어도 모두 작품이 될 수 있어요. 밖에 전시된 조각들도 많잖아요.” “그렇다면, 바깥에서 비가 오거나 바람이 불면 그 작품은 어떻게 될까?” 내가 물었다. “바람이 작품을 망치면 슬프겠지만, 그게 작품의 일부일 수도 있어요. 시간이 지나면서 계속 변하니까요. 계속 모양이 변하면서 더 새로워 지는거예요.”
아이의 대답에 나는 다시 한번 감탄했다. “이 작가가 사용하는 재료와 우리가 그림을 그릴 때 사용하는 재료는 어떤 점에서 다를까?” “우리는 종이를 많이 쓰면 나무를 많이 써야 하잖아요. 그래서 숲이 점점 줄어들기도 해요. 그래서 우리는 아껴 써야 해요. 그런데 이 작가는 자연에서 가져온 재료를 사용하니까, 숲도 보호할 수 있고, 지구도 아프지 않겠죠?”
아이의 대답에서 작가가 전하고자 하는 자연 보호의 메시지를 자연스럽게 받아들이는 모습을 보며, 나는 미술을 통한 교육의 힘을 다시 한번 느꼈다.
대지미술이란 개념이 아이에게는 조금 어려운 주제일 것이라 생각했지만, 아이의 상상력은 훨씬 더 넓고, 편견 없이 받아들이고 있었다.
그 옆에는 거대한 둥지 모양의 작품이 있었다. 아이는 호기심 어린 눈으로 그 작품을 바라보며 말했다. “여기 진짜 나뭇가지로 둥지를 만들었어요! 내가 새가 돼서 들어가 보고 싶어요.” “그런데 왜 작가는 미술관 안에 둥지를 만들었을까?” 나는 물었다. “둥지가 없어지면 새들은 집을 잃게 되잖아요. 그래서 이런 걸 만들었던 거 같아요. 새들의 집을 지켜주자는 뜻인 것 같아요.”
센가 넨구디(Senga Nengudi)의 작품도 거대함의 연속이었다. 아이는 신이 나서 외쳤다. “엄마, 이것 좀 봐! 엄청나게 큰 Giant Popsicle가 있어요!”
아이의 손가락이 가리키는 곳을 보니, 정말로 얼음 간식처럼 보이는 작품이 바닥에 눕혀져 있었다. 이번에는 작품의 유동성에 대해 이야기했다.
“이걸 눕혀 놓으니까 물이 골고루 퍼져 있지만, 세운다면 어떻게 될까?” 아이의 고개가 갸웃했다. “음, 물처럼 액체가 들어 있어서 세우면 한쪽으로 쏠리겠지? 그러면 모양이 달라지잖아. 그렇게 되면 이 작품은 다른 작품이 되는 걸까?” “아니요, 다시 눕히면 원래의 모양으로 돌아오니까 여전히 같은 작품이에요.”
“그렇다면 이 작가는 왜 작품을 만들 때마다 모양이 바뀌도록 했을까?” “그게 신기하고 재미있잖아요! 사람들은 그런 걸 보고 더 많은 사람들에게 보여주고 싶어 할 거예요.” “그럼 어떤 신기한 재료로 작품을 만들어보고 싶어?”나는 아이에게 질문했다. “나는 말랑말랑한 슬라임으로 커다란 조각상을 만들고 싶어요. 사람들이 만져보고 싶어할 것 같아요. 그리고 또 그 옆에 물과 기름처럼 섞이지 않는 재료를 써서 진짜 강처럼 보이는 작품을 만들고 싶어요. 나무도 심고, 돌도 놓고 싶어요.”
1970년대부터 활동을 시작한 센가 넨구디는 드로잉, 사진, 조각, 도예, 퍼포먼스 등 다양한 예술 장르를 넘나드는 작가이다. 그녀는 각기 다른 예술 작업을 할 때마다 별도의 가명을 사용하여 장르의 정체성을 확립했다. 넨구디의 대표작들은 신축성 있는 재료인 스타킹을 사용하여 몸의 움직임과 상호작용하는 작품들이다.
“이 작가는 조각 작품을 그냥 세워두는 게 아니라, 무용수들과 함께 움직이며 작품이랑 상호작용하는 방식으로 작업했다고 해요. 그래서 작품이 마치 살아있는 것처럼 보이죠.” “작품은 항상 가만히 있어야 할까요? 아니면 움직일 수 있을까요?” “움직일 수 있어요! 사람도 움직이고 자라잖아요. 작품도 마찬가지죠.”
센가 넨구디의 작품을 통해, 신체성, 변화, 상호작용 등 다양한 주제에 대해 생각할 수 있는 시간을 가졌다. 넨구디의 작품은 신체와 예술, 감정의 연결고리를 탐구하는 작품으로, 아이들이 그 과정에서 자신만의 해석을 통해 더욱 다양한 시각을 확장할 수 있었다.
Younsun Park
Although I majored in painting and art history, art has always been more than just an academic pursuit for me. Working in museums has helped me understand the profound meaning and emotion that art conveys while raising a child and has given me a fresh perspective on engaging with it.
Now, I actively seek out artistic moments in daily life and during our travels, sharing these experiences with my child. As a "mom who reads paintings," I want to show that everyone can find their own stories within art. This is a record of the stories my child and I have shared while exploring the world of paintings together.
회화와 미술사를 전공했지만, 예술은 늘 학문 이상의 것이었다. 미술관에서 일하며 작품이 전하는 깊은 의미와 감동을 이해하게 되었고, 아이를 키우며 예술을 새로운 시선으로 마주하게 되었다. 이제는 일상과 여행에서 만나는 예술의 순간들을 아이와 함께 경험하고, '그림 읽어주는 엄마'로서, 누구나 예술 속에서 자신의 이야기를 찾을 수 있다는 걸 보여주고 싶다. 아이와 함께 그림 속 세상을 탐험하며 나눈 소소한 이야기에 대하여.
Editor: Sooa Lim
Chief Editor: Paris Koh